из электронной библиотеки / 257885679136961.pdf

Таким образом, искусствоведение имеет богатую историю и методологию, но не является точной наукой, т.к. любая теория и метод могут быть подвергнуты критике со стороны искусствоведов и самих художников.

Знание основ искусствоведения имеет большое значение для искусствоведов не только в плане расширения кругозора и повышения эстетического уровня, но и в прикладном аспекте. искусствовед, владеющий пониманием языка искусства, сможет более доходчиво и глубоко донести смысл произведения и поможет осознать его значимость экскурсантам, посещающим художественные музеи, галереи, выставки.

1.2. Теории возникновении искусства.

1.Искусство – продукт эволюции человека под воздействием труда, который предоставил ему материальные средства для воплощения своих идей (развитие руки и речи).

2.Искусство – продукт развития магических и мифологических представлений. Мифы послужили историческим переходом от магических реалий

кискусству (Борев Ю.Б. Эстетика в 2-х т. Т. 2. Смоленск, 1997. С. 16).

Мифологические и магические образы были основным содержанием обрядовых действий, наскальной живописи, скульптуры и были тесно связаны как с ритуалом охоты, так и с первоначальными религиозными представлениями. Так охотничий ритуал содержал в комплексе изобразительное искусство (изображение животных, раненых охотниками), танец, «пение», актерское мастерство (маскировка охотника под зверя, подражание голосам); в то же время этот ритуал воплощал представление человека о его таинственной взаимосвязи с животным миром (изображение – удвоение реальности). Искусство, как и сознание, носило синкретичный характер. Синкретизм – нерасчлененность, слитность искусства, мифологии, религии, обрядовой стороны бытия, характеризующие первоначальное состояние первобытной культуры при полном отсутствии личностного начала.

3.Эротическая теория: искусство – приманивание представителей противоположного пола.

4.Иллюзионистская теория: искусство – чудесный обман, доставляющий человеку наслаждение.

5.Теория социального происхождения: искусство – продукт общественных условий, т.к. возникло в период палеолита, когда уже сложилось человеческое общество.

1.3. Функции и классификация искусства

Функции искусства представляют собой разветвленную систему. Компенсационная (восполняет необходимые потребности), эвристическая

(побуждает к творчеству), развлекательная, гедонистическая (доставляет удовольствие), прогностическая (художественная мысль способна предугадывать будущее), познавательная (через искусство человек познает мир не рационально, а эмоционально), воспитательная, просветительная, коммуникативная (художник творит для зрителя).

Классификации видов искусства могут быть весьма различными, но в любой из них акцентируется какой-либо один доминирующий признак. Распространено деление искусств на виды по отношению к категориям «пространство» и «время»:

Пространственные или статические – архитектура, живопись, скульптура. Временные, динамические – литература, музыка. Пространственно-временные, синтетические – театр, хореография, кино. Существует также классификация по способу отображения действительности: изобразительные и неизобразительные.

Изобразительные искусства объединяющий скульптуру, живопись, графику; они отображают действительность непосредственно.

Неизобразительные искусства отображают действительность обобщенно, ассоциативно, например музыка.

Сегодня различные виды искусства, оставаясь самостоятельными, открыты для интеграции, что породило явление художественного синтеза.

Театр, кино, телевидение сами по себе искусства синтетические, но существует и тенденция к соединению различных искусств в целях усиления выразительности образа, а также взаимообогащение одного вида искусства другим.

1.4. Искусствоведение как совокупность наук о видах художественного творчества

Искусствоведение подразделяется на:

–теорию искусства, изучающую художественный метод, форму, средства выражения и специфику видов изобразительного искусства;

–собственно историю искусства, изучающую эволюцию, стили, течения, направления творчества отдельных художников;

–художественную критику, оценивающую явления современной художественной жизни в разных формах. Все эти части базируются на едином принципе – анализе художественного произведения.

Теория искусства изучает специфику различных видов художественного творчества через выявление выразительных средств, используемых в данном виде искусства для создания художественного образа. Художественный образ – выражение творцом своего «я», своего личностного видения мира.

Художественный образ не повторяет действительность, а символизирует ее, вскрывая связи между предметами и явлениями, соединяет действительность и идеал. Этот образ создается с помощью таких средств как форма, фактура, цвет, свет, композиция и т.д.

Художественная критика призвана выявить ценность произведения искусства, сформировать верное мнение о нем и воздействовать на формирование художественного вкуса зрителя. Критика также анализирует тенденции и перспективы развития современного искусства.

1. 5. Методы художественного анализа

Методы художественного анализа разнообразны и могут применяться в комплексе. Формальный анализ – один из главных инструментов исследования, т.к. искусство говорит на языке форм. Однако важно изучать этот язык в его взаимоотношении с идеей художественного произведения. Немалую роль играют для проникновения в суть произведения знание творчества мастера в целом, знакомство с его биографией, со временем, в котором он жил, знание мемуаристики, литературы, музыки, культуры его эпохи. В целом и сегодня методологические проблемы анализа изобразительного искусства одна из острых проблем в искусствоведении.

Искусствоведческая мысль развивается, что стимулируется появлением новых видов художественного творчества, а это, в свою очередь, порождает появление новых разделов искусствоведения. Социология искусства рассматривает его как общезначимую ценность, указывая и изучая две сферы художественной жизни общества: систему художественного производства и систему художественного потребления. Психология искусства исследует процесс творчества, его общие закономерности, устанавливает механизмы становления личности творца, проводит анализ форм воздействия искусства на человека. Философия искусства изучает его как часть и продукт целого:

среды, расы и исторического момента.

Таким образом, искусство становится предметом изучения все новых теорий, в том числе и естественнонаучных: в свете теории информации – работы «Теория информации и

эстетическое восприятие» (А. Моль), «искусство и ЭВМ» (А. Моль, В. Фукс, М. Каселер), синергетики – работа «Синергетика искусства» (И.В. Евин).

1.6. Художественный стиль, направление, течение

Художественный стиль в искусстве – исторически сложившаяся и социально обусловленная общность идейно-художественных принципов, объединяющая в данную эпоху произведения мастеров, работающих в различных видах и жанрах искусства. Эта общность порождает более или менее устойчивую и единообразную систему художественных форм. Как правило, такое единообразие – как основной признак стиля – проявляет себя, прежде всего, в архитектуре и прикладных искусствах.

Архитектура – древнейший и важнейший вид искусства, т.к. она интегрирует и в каком-то смысле ведет за собой и ваяние, и живопись, и прикладные искусства. В архитектуре отражается также и вся культурная жизнь отдельных наций, ее памятники – наиболее заметные вехи для периодов бытования народов. Архитектура – стилеобразующий вид искусства.

Художественное направление – совокупность произведений, которые можно объединить по их идейно-эстетическим признакам. С помощью этой категории можно проводить сравнительные характеристики и обобщения на уровне мирового художественного процесса. Особенности того или иного направления в искусстве позволяет увидеть проявления художественных школ и течений.

Художественные школы – это национальные и периферийные разветвления внутри течений.

Художественные течения объединяют конкретные проявления художественного творчества по их близости художественного языка.

Принадлежащие одному течению художники решают совместные художественные задачи. Течению нередко сопутствуют организационные структуры, облегчающие творческую деятельность художников.

История искусств демонстрирует сокращение времени существования художественных стилей, а в двадцатом веке художественные стили сменили динамично меняющиеся, конкурирующие друг с другом художественные направления и течения.

Раздел 2. Виды изобразительного искусства 2.1. Графика как вид изобразительного искусства

Слово «графика» происходит от греческого «графо» - пишу, рисую. Это вид изобразительного искусства, в основе которого лежит рисунок. Роль цвета в графике ограничена, он подчинен линии, являющейся основным выразительным средством.

Графические работы выполняются на различных материалах: бумаге, шелке, пергаменте и др.

В зависимости от назначения и содержания графика подразделяется на станковую(произведения самостоятельного значения), книжную, газетножурнальную, связанную с текстом или выполняющую декоративнохудожественные функции, плакатную, прикладную (этикетки, грамоты, марки, купюры ит.д.).

Графика обладает большей, чем живопись и скульптура оперативностью.

Она способна быстро отзываться на новые явления и запросы общественной жизни, активно участвуя в ней. Произведения графики обращаются к самой широкой аудитории, т.к. предназначены для массового воспроизведения на страницах газет, журналов, книг и т.д.

Виды графики: рисунок, гравюра, литография.

Рисунок – изображение на плоскости, выполненное в следующих техниках: карандаш, уголь, тушь-перо, сангина, пастель, акварель, соус, гуашь.

Гравюра – раздел графики, включающий в себя произведения, исполненные посредством печатания с гравированной доски. Отдельное произведение также называется

гравюрой. Первые гравюры появились в 15вв. в Западной Европе, прежде всего в Германии. Этому способствовали рост городов, торговли, строительство городских домов, дворцов. Первые гравюры были репродукционными и использовались для украшения интерьера, а также в качестве книжной миниатюры, икон, игральных карт.

Типы гравюр по технике исполнения разнообразны, рассмотрим важнейшие. Ксилография ( «ксилон» с греч.-«дерево») – тип выпуклой гравюры, когда

углубления на поверхности обработанной доски соответствуют белым частям отпечатка. Ксилография делится на обрезную (продольную), когда изображение режется

ножом вдоль волокон доски. Основным выразительным средством здесь являются линия и контраст черного и белого(немецкие гравюры 15-16вв.).

Вторым типом является торцовая или поперечная гравюра, когда изображение режется поперек волокон доски штихелем. Основное выразительное средство штрих. Концентрация штрихов создает тоновые пятна – светлые или темные, техника здесь более тонкая и разнообразная. Применяется часто в книжной миниатюре.

Линогравюра или гравюра на линолиуме. По технике и художественным средствам сходна с ксилографией, но отличается отсутствием тонких деталей.

Углубленная гравюра - к этому типу относятся несколько видов гравюр на металле. В ней углубления соответствуют черным частям отпечатка. К старейшим и наиболее трудоемким относится резцовая гравюра. Инструменты – различной ширины резцы. Для этой гравюры характерны строгая ритмичность линий. Образующих параллельные ряды или косую сетку, изгибы линий точно соответствуют форме, а частота и насыщенность передают светотеневые градации. Лучшие образцы такой гравюры отличаются большой пластичностью изображения, богатством светотеневых переходов (гравюры Дюрера).

Офорт (в пер. с фр. «крепкая водка») – гравюра на металлической доске, покрытой кислотоупорным лаком. Грунт процарапывается иглами в свободной технике штрихового рисунка, а затем пластина подвергается травлению кислотой в течение определенного времени, поэтому степень силы, ширины и сочности штриха будет разной. Широко распространилась в 17 в.(Ван Дейк, Рембрандт) Сухая игла: изображение процарапывается на металле без травления, в оттиске дает «бархатистость» насыщенных штрихов, но изображение более «скованное», чем в офорте. Широко распространилась в 19 в., но использовалась и раньше (Дюрер, Рембрандт).

Пунктирная манера – изображение на металлической доске с помощью специальных игл или пунктирного колесика, которым наносят на поверхность мельчайшие точки. Степень густоты и величины их передают светотеневые градации. Точки в отпечатке дают черный цвет. Такая гравюра распространилась во второй пол.19 в. в Англии в портретном жанре и далее применялась, в основном, для репродукции живописных произведений.

Меццо-тинто – гравюра на металлической доске, которую сначала обрабатывают качалкой, дающей в оттиске черный тон, а затем гладилкой и шабером выглаживают тоновые и светлые места. Таким образом, художник работает тоновыми пятнами: от темного к светлому. Появилась такая гравюра в 17 в. (Английская гравюра – репродукции с живописи).

Графика может быть и цветной. Цвет – результат или раздельной или совмещенной печати (немецкие раскрашенные гравюры 15 в., японские цветные гравюры.).

Литография – особый раздел графики, появилась во второй пол.19в. Это работа на известняковой или цинковой пластине. По зернистой или гладкой поверхности художник рисует жирным литографским карандашом и специальной тушью. Затем пластина подвергается травлению кислотой, которая действует на непокрытую жиром поверхность, рисунок смывают, затем наносят типографской краской, которая пристает лишь к непротравленным частям пластины, соответствующим рисунку. Краску накатывают валиком по увлажненной пластине, печатают на специальном станке. Преимущества

гравюры: большая свобода авторского исполнения, простота техники, многотиражность (Домье, Тулуз-Лотрек, Остроумова-Лебедева).

Итак, основными выразительными средствами в графике являются линия (Матисс, Пикассо, Дюрер), штрих (Фаворский, Ван Гог), пятно (Пикассо), светотень, тональные переходы, цвет и смешанные техники.

2.2. Живопись как вид изобразительного искусства

Живописи принадлежит особое место в ряду других искусств, т.к. ни один другой вид искусства не способен передать увиденные явления мира с такой полнотой, тем более что большинство информации из внешнего мира мы получаем с помощью зрения. Живописное произведение через один изображаемый момент передает предшествующее и последующее, прошлое и будущее, домысливаемые зрителем.

Живопись – вид изобразительного искусства, в котором изображение создается на плоскости с помощью цветных материалов. Она выполняет несколько функций: изобразительную, повествовательную, декоративную.

Изобразительная: художник изображает что-то из внешнего мира или то, что создано его воображением.

Повествовательная: рассказывает о событиях и явлениях внешнего мира или о своем внутреннем мире.

Декоративная: украшает экстерьеры и интерьеры зданий, воспитывая эстетическое чувство. Живопись разделяют на следующие виды:

Станковая живопись– это произведения, имеющие самостоятельное значение, не связанные с каким-либо художественным ансамблем или утилитарными функциями. Это картины, создаваемые на станке (мольберте) и предназначенные для музеев, галерей, украшающие интерьеры. В качестве материальной основы используют дерево, картон, бумагу, но чаще всего холст, натянутый на подрамник. Картина вставляется в раму.

Монументальная живопись – живописные произведения большого масштаба, связанные с архитектурой как конструктивно, так и образно.

Основные разновидности монументальной живописи: мозаика и фреска, которые возникли еще в античном искусстве. Монументальная живопись тесно связана с архитектурой – она обращается одновременно к массе людей, поэтому требует особого строя художественных форм: ясности и лаконизма композиции, четкости и обобщенности рисунка, использования больших цветовых масс.

Декоративная живопись – живопись, входящая в состав архитектурного ансамбля, театральная декорация, а также живопись, связанная с произведениями декоративноприкладного искусства.

Разновидностями живописи являются иконопись и миниатюра.

Иконопись – христианская станковая культовая живопись. Миниатюра – живописные изображения, украшавшие и иллюстрировавшие средневековые рукописи, в виде заставок или на всю страницу; живописные произведения малого размера и тонкой работы на слоновой кости, металле, фарфоре, дереве;

лаковая миниатюра.

Живопись обладает особыми выразительными средствами: рисунок, линия, цвет, колорит, композиция (см. раздел 3).

Выразительность картины и воплощение художественного замысла зависят от того, какая техника живописи используется художником.

Под техникой подразумевается красочный материал, который использует художник.

Живопись масляными красками позволяет с помощью светотени моделировать объем, а также достигать богатого и разнообразного колористического решения, тонких тональных переходов. Обычной основой для масляной живописи служит льняной холст, покрытый полумасляным грунтом; могут использоваться и другие основы.

Акварель дает особую прозрачность и свежесть цвета, обеспечивает тонкие цветовые градации, убедительно передает свето-воздушную среду; обычно выполняется на бумаге.

Темпера приготавливается на казеиново-масляном, яичном или синтетическом связующем веществе, является одной из самых древних техник. Цвет насыщенный, плотный, ровный.

Пастель – живопись цветными мелками по сырой бумаге или замше, картоне или холсте. Краски наносят штрихами или растушевывают пальцами, что позволяет добиваться тончайших красочных нюансов и нежных тональных переходов, матовой, бархатистой поверхности. Появилась в 15 веке.

Гуашь – краски, растертые на воде с клеем и примесью белил, дает плотный, непрозрачный, насыщенный цвет, применяется преимущественно в плакатной живописи, т.к. не растекается и дает четкий контур.

Энкаустика – краски в виде сухого красочного пигмента, смешанные с горячим пчелиным воском. Дают прочную, матовую поверхность, древняя техника.

Акварель, пастель и гуашь иногда относят к графике, т.к. краски наносятся на негрунтованную бумагу, но такая характеристика как цвет позволяет считать их и живописными техниками.

Особыми техниками живописи являются фреска и мозаика. Фреска – изображение на стене, выполненное по сырой штукатурке красками, разведенными на воде. Мозаика – изображение, выложенное из смальты, цветных камешков, керамических плиток, используется для украшения зданий.

В понятие «техника» включается и способ нанесения красок на поверхность, отражающий индивидуальный стиль художника или приемы, характерные для данной эпохи в живописном искусстве.

Лессировка – прием живописной техники, состоящий в нанесении очень тонких слоев прозрачных и полупрозрачных красок поверх высохшего плотного слоя других красок. При этом достигается особая легкость, звучность цветов, что является результатом их оптического смешения. Лессировка – последний этап в создании многослойной живописной поверхности. Этот прием используется в классической и академической живописи.

Многослойная живопись – важнейшая техническая разновидность масляной живописи, требующая дробления работы на ряд последовательных этапов (подмалевка, прописка, лессировка), разделенных перерывами до полного просыхания краски. При исполнении крупной тематической композиции, а также при длительной работе многослойная живопись является единственной полноценной техникой масляной живописи. До середины XIX в.

все крупнейшие художники применяли ее как основную. Позднее импрессионисты и их последователи отказались от многослойной живописи.

Пастозная живопись – прием, особенность которого в нанесении краски на поверхность прямо из тюбика или наложении такого густого мазка, что создается рельефная фактура на плоскости. Изображение, полученное таким способом, воспринимается довольно с большого расстояния.

Корпусная живопись – прием нанесения слоев плотных красок, дающих матовую поверхность глубокого насыщенного тона.

При анализе живописного произведения обращают внимание и на манеру, присущую данному мастеру или соответствующую определенному стилю. Различают живописную манеру, когда видны характер, направление, толщина, ширина и длина мазков, а основным выразительным средством является не линейно-пластический узор, а цветовое пятно.. Появилась в конце 19 века (Ван Гог); импрессионистскую манеру – наложение мазков чистого цвета рядом друг с другом; пуантилистскую манеру, когда изображение создается точечными мазками чистого цвета, которые на расстоянии

«читаются» как пятно определенной формы. Последние две манеры характерны соответственно для стилей импрессионизм и пуантилизм.

В искусствоведении различают также предметную и абстрактную живопись. Предметная живопись воспроизводит формы реального мира; абстрактная

отказывается от изображения форм действительности и обращается к отвлеченным геометрическим фигурам, пятнам и линиям.

2.3. Скульптура как вид изобразительного искусства

Скульптура – вид пространственно-изобразительного искусства, дающее объемное, трехмерное изображение предметного мира. Термин «скульптура» в пер. с латыни означает «ваяние», «высекание». Искусству скульптуры, в отличие от живописи, доступны для изображения не все явления окружающего мира. Поэтому основное внимание уделено образам живых существ в движении. Но зато скульптурные произведения обладают осязаемостью, трехмерностью, объемностью.

Скульптор использует различные материалы: мрамор, гранит, бронзу, дерево, стекло, глину, фарфор и т.д. Восприятие произведения зависит от материала. Так дерево создает ощущение тепла, цвет его близок к цвету кожи человека, а стекло, например, создает впечатление нежности, изящества.

Выразительные средства в скульптуре разнообразны и имеют свою специфику. Поверхность скульптурного объема состоит из выпуклостей и впадин, которые

могут плавно перетекать друг в друга, а могут и резко сталкиваться.(классицизм – барокко), могут также быть геометризированы (египетская скульптура, некоторые образцы современной скульптуры).

Лаконичность, обобщение форм. Самоограничение связано с характером материала: камня, дерева. Микеланджело называл хорошей ту статую, которая будучи пущенной под откос останется невредимой. Силуэт может быть более дробным, как в барокко и рококо и обтекаемым, обобщенным, при этом произведение создает впечатление монументальности и нередко превращается в знак, символ.

Контур - внешний абрис фигуры. Также может быть мягким, плавным и жестким, дробным.

Фактура или вид поверхности имеет важное значение как выразительное средство. Мастер может сохранить природную фактуру материала, а может и скрыть ее путем шлифования, фактуры могут и соседствовать, как в «Умирающих рабах» Микеланджело, где незавершенность произведений лишь усиливает их выразительность.

Статика – динамика. Древнеегипетские статуи – пример статики, они кажутся застывшими и предназначены для вечности, а у древних греков статуя «оживает» благодаря приему «хиазма». Динамика может быть не только внешней (передача движения), но и внутренней и выражается через позу, мускульное напряжение и мимику (Мирон – Поликлет). В движении может раскрываться эмоциональное состояние героев, как в работе Родена «Граждане Кале».

Очень важны и такие выразительные средства как соотношение объемов, весомость пластических масс, соразмерность и пропорциональность частей. Наиболее популярны пропорции «Золотого сечения»: 3:5, но в 20 в.

мастера более свободно относятся к этому параметру, нередко искажая и деформируя формы и пропорции, чтобы добиться большей выразительности и экспрессии образа (Цадкин, Неизвестный и др.).

Свет оказывает огромное влияние на скульптуру. Сбоку – подчеркивает трехмерность, сзади высвечивает силуэт, снизу искажает форму. Именно поэтому важно правильно осветить произведение или разместить ее в помещении. Свет рождает и другое выразительное средство – светотень, которая не только «оживляет» статую, но и позволяет зрителю глубже понять эмоциональный строй произведения.

Скульптурные произведения характеризуют также ритм и пространство. Ритм здесь

– это чередование объемов, форм, расстояний между фигурами, жестов, поз и т.д. Ритм рождает динамику и в то же время гармонию композиции.

Пространство и скульптура взаимодействуют друг с другом. Пространство, которое является как бы частью произведения, называется открытым (И.Чайков «Перед зеркалом»). Замкнутое пространство характерно для скульптур с монолитными объемами, примыкающими друг к другу фигурами (Микеланджело «Скорчившийся мальчик»).

Значение искусства скульптуры:

1)благодаря многообразию видов и форм скульптура украшает бытие человека, т.е. выполняет эстетическую функцию.

2)является своеобразным способом повествования о жизни людей на разных этапах истории.

3)статуи и рельефы способны усилить выразительность того пространства, в котором они находятся и создают образ городской, архитектурной или природной среды.

Виды и жанры скульптуры.

Скульптурные произведения разделяются по форме на круглую скульптуру и рельеф.

Круглая скульптура располагается в открытом пространстве, и ее можно при обходе обозревать с различных точек. По размерам она может быть разнообразной: и маленькой статуэткой, и массивным бюстом.

Виды круглой скульптуры:

Монументальная – используется на больших пространствах, имеет большой размер, обобщенные формы, ясный силуэт и выполняет идеологическую функцию.

Монументально-декоративная – может содержать героические образы и в то же время служить для украшения окружающей среды или архитектурных сооружений.

Станковая – по масштабам соразмерна человеку, имеет самостоятельное художественное значение и предназначена для интерьеров (музеев, галерей).

Скульптура малых форм – изображения жанрового характера, имеют сравнительно небольшой размер и предназначены для украшения природной или архитектурной среды.

Мелкая пластика – изображения маленького размера, предназначенные для украшения домашнего интерьера, выполняются из самых различных материалов.

Жанры круглой скульптуры:

Портрет – изображение конкретного человека, этот жанр имеет развитую классификацию:

Бюст – погрудное или поясное скульптурное изображение человека; очень распространен, подвидом его является герма – четырехгранный столб, завершенный скульптурной головой.

Статуя – изображение одной фигуры («Дорифор» Поликлета) Торс – изображение человеческого туловища с целью выявления пластики тела, т. е. плавности перехода одного объема в другой.

Скульптурная группа – несколько фигур, связанных единством художественного замысла, единым сюжетом («Граждане Кале» Родена).

Анималистические произведения – изображения животных (памятники знаменитым собакам в различных городам, волчице на Капитолийском холме в Риме.).

Рельефы – вид скульптуры, в котором изображение является выпуклым или глубинным по отношению к плоскости фона. Основные разновидности рельефа:

Углубленный рельеф – врезанный вглубь поверхности (распространен в Древнем Египте).

Барельеф – изображенные фигуры выступают не более чем на половину объема (фигуры на фризе Парфенона).

Горельеф – фигуры выступают более чем на половину объема, обычно на три четверти (фриз Пергамского алтаря).

В средние века в Италии был создан так называемый живописный рельеф, который передавал перспективу пространства. Он может включать в себя и барельефы, и горельефы, как в работах итальянского скульптура Л. Гиберти.

Раздел 3. Выразительные средства изобразительного искусства 3.1. Композиция в изобразительном искусстве

Применительно к изобразительному искусству, композиция – это структура художественного произведения как целого, расположение и соотношение всех его частей в пространстве или на плоскости. Композиция – построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером и назначением и во многом определяющее его восприятие.

Композиция – важнейший, организующий элемент художественной формы, придающий произведению единство и цельность, соподчиняющий его компоненты друг другу и целому. Элементы композиции: формат, симметрияасимметрия, композиционный центр, ритм, контраст, нюанс, тождество, планы, точка зрения и положение линии горизонта, перспектива, доминанты и акценты, светотень, ракурсы, статика – динамика, масштаб, соотнесенность изображения с плоскостью картины и т.д. Элементы присутствуют в композиции не обязательно в таком количестве, все зависит от замысла художника, который использует свой набор выразительных средств. Эти средства обогащаются, меняются и в зависимости от времени жизни художника. Композиция не есть нечто застывшее, догматичное, всегда остается место для свободного творчества. Перечисленные выше элементы отражают основные законы композиции: 1. равновесие; 2. единство и соподчинение элементов, которое создает гармонию, т.е. нечто упорядоченное.

Два эти закона тесно взаимосвязаны. Единства художник добивается через соподчинение элементов изображения друг другу, причем важнейшую роль здесь играет композиционный центр, т.к. соподчинение идет между центром и прочими элементами. Центр может находиться в центральной части картины (симметричная композиция), а может быть смещен в сторону(ассиметричная композиция), что придает некий динамизм изображению.

Приемы выделения центра: 1.к нему ведут все линии расположения и движения объектов и фигур (А.Иванов «Явление Христа народу»); 2.выделение цветом (Рембрандт «Возвращение блудного сына»); 3.выделение светом (Караваджо «Успение Марии»); 4.масштабом (Суриков «Меньшиков в Березове»); 5.формой (Пуссен «Пейзаж с Полифемом») и т.д.В композиции центром может оказаться пауза (композиции в стилях абстракции, оп-арта).

Равновесие – это состояние композиции, при котором все ее элементы сбалансированы между собой, оно зависит от расположения основных масс, от расположения композиционного центра, от пластического и ритмического построения композиции, от пропорций, цветовых, тональных и фактурных отношений и т.д.

Равновесие по разному проявляется в симметричных и ассиметричных композициях. Наиболее частыми видами симметрии являются: зеркальная (зеркальноповоротная) с вертикальной или горизонтальной осью (Дуччо «Маэста», Эль Греко «Похороны графа Оргаса», Рубенс «Союз земли и воды»), центричная (Мазаччо «Троица»), угловая (роспись блюд, платков и т.д.). В 20 в. чаще встречается ассиметрия, она дает возможность более свободно располагать объекты на плоскости, но сложнее достичь равновесия. Этому помогают средства гармонизации и формат.

К средствам гармонизации относятся ритм, контраст, нюанс, тождество. Важнейший признак ритма – повторяемость явлений, элементов или форм,

закономерность их чередования. Ритм в отличие от метра имеет пределы, он не может быть бесконечным. Для зрителя существуют два типа ритма: активнодинамический,

связанный с реальным движением, и пассивно-динамический (архитектура, живопись, графика, скульптура). Ритм не только обогащает композицию, но и помогает ее организовать. Ритмически могут чередоваться формы, цвет, фактуры на полотне. Ритм может выявить замысел художника (Дейнека «Оборона Петрограда», Рублев «Троица»). Ритм бывает простым, когда меняется один параметр, а также сложным, когда меняется несколько параметров, например, меняется конфигурация формы, происходит насыщение по цвету, изменяется расстояние между предметами и т.д.

Контраст – максимальное изменение качеств изобразительных средств, выявляющееся в противоположности определенных параметров. Различают контраст форм (круглое, квадратное, волнообразное): Давид «Смерть Марата»;

Цвета (черный-белый, теплый-холодный, светлый-темный): Малевич, супрематические композиции, Рубенс, Веласкес «Портрет папы Иннокентия 10го»; масштабов: Кустодиев «Большевик»; положений и состояний: Ярошенко «Всюду жизнь». Контраст – движущая сила композиции, многие искусствоведы называют его законом композиционного построения.

Нюанс – минимальное изменение качеств изобразительных средств: цвета, форм, фактур и т.д. (работы Ротко).

Тождество – повторение качеств изобразительных средств. Формат – форма плоскости, на которой выполнено изображение.

Обусловлен отношением высоты к ширине. Выбор формата зависит от содержания и соответствует композиции изображения. Для образного строя формат имеет существенное значение. Формат часто указывает путь в понимании замысла повествовательной композиции или для передачи движения, он позволяет иллюзорно углубить пространство, расположив объекты по диагонали (Курбе «Аллегория живописи», Суриков «Утро стрелецкой казни» и т.д.). Композиция в таком формате более динамична, а рассказ приобретает эпический характер.

Форма квадрата или прямоугольника к нему близкого останавливает динамику и придает композиции устойчивость, создает впечатление покоя, гармонии и торжественности. Такой формат предпочитали мастера Возрождения (портреты, алтарные образа), иконы, «Черный квадрат» Малевича.

Формат тондо (круг) создает впечатление покоя, гармонии, концентрирует внимание на изображении (Микеланджело «Святое семейство», Липпи «Поклонение младенцу Христу»).

Формат овал более динамичен, характерен для камерных изображений (Буше «Вакханка…») Сильно вытянутый вверх прямоугольник дает ощущение движения, несет идею развития, роста (Грюневальд «Вознесение Христа»), Понтормо «Встреча Марии и Елизаветы»).

Особую роль в композиции играют вертикали, горизонтали, диагонали – конструктивные опоры картины. Вертикаль символизирует устремленность к небу, к Богу, к космосу, горизонталь – ось устойчивости, поверхность Земли, перекрещивающиеся диагонали подчеркивают геометрический центр картины, а отклоненные вертикали передают ощущение зыбкости, хрупкости.

Как же, при сохранении устойчивости, в картине передается движение?

Этому служит расположение объектов по диагонали (Репин «Бурлаки на Волге»), по кривой (Перов «Крестный ход»), по кругу (Ван Гог « Прогулка заключенных»). Эти приемы имеют, безусловно, и смысловое значение.

Движение по кругу у Ван Гога – символ обреченности, безвыходности. Динамический эффект усиливает и чередование темных и светлых пятен

(Рембрандт «Ночной дозор»).

Особую роль в композиции играют линия и светотень. Древнейший способ восприятия и изображения мира основан на линии и силуэте, хотя в природе есть лишь